Textos

 

EL PROYECTO EXPOSITIVO “ÁNCORAS A LA TIERRA”

El contexto: la cultura de la extracción
La cultura de la extracción, es decir, del uso sin restitución, caracteriza al hombre es su relación con la naturaleza. Más allá de la dimensión material, la cultura de la extracción implica procesos de aislamiento, de distanciamiento y de separación, entendidos como formas de la extracción, en las dimensiones física, mental y espiritual de la relación del hombre con el medio.
El proyecto: “áncoras a la tierra”
El proyecto expositivo “áncoras a la tierra”, conjunto de pinturas y esculturas, propone una mirada personal sobre los conceptos de territorio y paisaje, ofreciendo “nuevos horizontes” con el fin de generar una reflexión sobre la relación entre los límites y la identidad, el lugar y la pertenencia.
Historicamente, el proyecto se situa como una aportación contemporánea a la tradición pictórica de la Escuela Paisagista de Olot (1934). En palabras del artista Perejaume, 1995: ”Ahora sabemos como la pintura, más que ajustarse en imagenes a los originales, prefiere perderse en los originales. I com els originals, a cada pintament, s’amaguen més sota aquets gruixos… L’olotisme, aquest enorme pintament amb què avui Olot ens mira, és un cas paradigmátic del que fa la pintura a les coses, als indrets, als artistes,I, al capdavall, de com els artistes ve que esdevenen victims dels mateixos processos que instauren.”
A lo largo del proyecto se despliegan tres formas de representación del binomio territorio-paisaje, cuyo discurso artístico articula simultaneamente tres procesos plásticos: interferir, intervenir y transferir y cuyo denominador común es la extracción del material artístico como reflejo de la cultura de la extracción a la que hacíamos referencia anteriormente.
1. Paisajes pintados – interferir
Acto 1ero: el negro (2011-2013). No son paisajes obvios, ni la representación de un lugar en concreto, de ningún paisaje visto, sino más bien, la representación de un espacio, de la idea de un espacio, es decir, de un horizonte, la idea de una tierra, de una disposición de los elementos que lo componen, pero sobre todo, la idea del hombre en su entorno natural y humano. Un hombre, a medio camino, experimentando la finitud, la soledad, el abandono y el vacío.enlloc (pigments a l'aigua - 120 x 120 cm)
Territorios-paisajes en negro, un negro de tono sólido, de profundas sombras, lejos del discurso realista o paisagista. Paisajes puros, desnudos, en crisis y críticos, paisajes que nos miran, que nos devuelven nuestra mirada, que generan una atmosfera de inquietud, misterio, degradación, incluso de vértigo, pero que al mismo tiempo nos transmiten como dijo J. Tanizaki en su libro “Elogio de la sombra”, la sensación de una extraña calma que nos transmite esta penumbra” .
La realización de estas obras supone interferir en el proceso físico-químico natural de reticulación del pigmento sobre el sustrato. A medida que avanza el proceso de interferencia (gestión del azar y extracción) se suceden una serie de paisajes, a imagen y semejanza de los procesos que el hombre ejerce sobre el medio, a cada etapa, un nuevo territorio-paisaje como nuevo límite, frontera.
2. Paisajes esculpidos – intervenir
Acto 2º: el blanco (2013-2015). En su conjunto, la serie “áncoras a la tierra” desarrolla un lenguaje simbólico centrado en elementos ordinarios, propios de lo cotidiano y lo doméstico, cercanos por tanto a una realidad inmediata. En el caso de los paisajes esculpidos destacamos como referente simbólico de las obras, el tiesto. Los tiestos de tierra que tenemos en nuestros balcones, patios y jardines, estos trozos de tierra fuera de lugar, son el símbolo de la tierra dominada por el hombre, acotada y separada, símbolo de la posesión y a la vez, de la distancia que separa al hombre de la naturaleza. p1120066webb.jpgSon la representación de un limite, el de la tierra pero a su vez tambien el de nuestro pensamiento. El paradigma del tiesto, queda resuelto si consideramos estos tiestos como áncoras, áncoras a la tierra, el anclaje de nuestra identidad.
El alabastro de superficie, por sus características, a lo largo de los años recibe la imprenta del lugar en donde aflora, reflejo de la historia natural local, memoria del territorio, huella de la vida. Junto a la erosión y el desgaste del material, la leve intervención del artista acaba por dibujar un territorio-paisaje en donde la huella del hombre se hace visible.

3. Paisajes construidos – transferir
Acto 3º: el color (2013 – 2015). El recorrido a través de estos paisajes nos conduce al último acto, la luz, el color, componente esencial de todo paisaje. Estas esculturas modulares construidas a base de hisopos, que al igual que los tiestos, funcionan como reservorios de materia y color, esencias de la presencia, deslocalizada y recontextualizada. Con el hisopo, ejercemos un frotis simbólico, extraemos, transferimos el color de la naturaleza, IMG_4291webbdespojandola asi, de su esencia pictórica, último acto del espólio. La relación propia entre forma y color del paisaje, queda truncada, descompuesta y desarticulada para reconfigurarse en un nuevo paisaje construido. Por otro lado Josep Pla « Aquest paisatge (en referència a la Garrotxa) té un moment suprem: és a la primavera, quan cau del cel una plegeta fina, pausada, delicada, intermitent. El cromatisme improductiu, creat pels cels estivals que produeix en el verd obscur a què fèiem referència, s’enriqueix, es transforma, té un aspecte completament distint. Llavors apareix un vermell, un groc, un blanc, els colors que hi ha a la terra, amb una distinció perfecta.Així, aquest paisatge s’ha de veure, en una determinada llum i en un determinat temps. » He descubierto este texto de Pla mucho después de haber pintado la serie de cuadros sobre « frotis, els colors de la natura », y me alegra experimentar esta conjunción con el maestro en nuestra manera de observar el paisaje de la Garrotxa y Gao Xinjgian en  su « libro de un hombre solo », relata la experiencia sensorial de esta forma: Doucement, debout sur cette pierre, tu vois beaucoup plus loin qu’en bas, n’est-ce pas? – Naturellement. Tu abondes dans son sens. – Dans ce cas, au loin, droit devant toi, pas à tes pieds, si tu regardes droi devant, qu’est-ce que tu vois? – L’horizon? – Qu’est-ce que ça peut faire l’horizon? on le voit d partout, non? Je te parle de ce qu’il y a au-dessus de l’horizon, regarde bien… – Regarder quoi? – Est-ce que tu ne vois rien? – le ciel, c’est ça? – Regarde mieux. – Ça ne va pas-tu dis que tes yeux se troublent -, je vois mille couleurs…- C’est exact, il y a toutes les couleurs qu’on veut, quel ciel magnifique¡ L’espoir est devant nous, on peut dire que tu as enfin ouvert les yeux ¡¡

 

 Reactions à l’exposition de septembre 2015, Belgique:

Cher Manu,
ce que j’ai découvert hier soir de ton oeuvre m’a d’emblée ému.   Nous étions entourés moins de tableaux (au sens d’une matérialité tangible de papier & de pigments, fût-elle subtile, fût-elle diaphane), que d’une musique nous invitant à un devenir.   
 
J’ai perçu dans ton art comme des notations musicales – éparses, légères, conviant chacun à les déchiffrer selon son coeur – das Lied von der Erde.   Par allusions, par liesse, par liberté,  le paysage, dans ce qu’il peut avoir de plus stable, de plus enraciné, se transmue en rêve, en voyage, en destin à découvrir.   Des simples touches de couleur, clairsemées parfois, foisonnantes à d’autres, transformant le cadre confiné du tableau en l’espace illimité & insaisissable de la symphonie.   
 
Par cette manière de mathématique ludique, ton art intime, très subtilement, que la glèbe parfois si glauque de notre quotidien frissonne d’une glose, voire une gnose; si elle nous susurrait un mot seulement, peut-être serait-ce un chevaleresque  « hardi ! » .     
 
Ce monde que tu dépeins – oui, j’ai désir d’y vivre.
 
Merci à toi, Manu!
Servus tuus,
Miguel Mesquita da Cunha

Manu vb Tintoré fait monde. Des points de suspension apparaît désormais une constellation, comme s’ils avaient trouvé leur liant afin d’être un, sans cesser d’être plusieurs.

Voilà en quoi réside le vertige de l’œuvre : tenir les étoiles en une toile. Avec le souci, en scientifique du vivant, de donner à voir l’échelle de l’individu : de la cellule organique dans la série de profils, on passe à des cellules de vécu, des capsules de souvenir, de sensation : couleurs, musique, matières.

Mais, attention à ne pas s’y méprendre, l’œuvre ne saurait se limiter à une succession de moments nombrilistes, sortons l’œil du microscope et, sans flou, gouttons le vertige de la toile, sa profondeur, qui précisément replace l’individu à une échelle qui le dépasse.

Ici, un pays qui se dit plat, mais croqué en coupe latérale, superposé à lui-même et ces mille territoires de souvenirs, il est rond, fini : il n’a pas de sens, il a une forme.

Et cette symphonie qui chante sans couleurs un paysage vivant, véritable partition qui met en correspondance les portées hautes et graves, ne donne pas du mouvement, mais est plutôt un foudroiement, le mouvement saisi.

La musique est partout dans l’œuvre de Manu, car son univers est riche et affranchi des formes traditionnelles ; son univers dans lequel on se sent proche et étrange, comme un voyeur qui en redemande car il retrouve un plaisir, mais découvre une forme.

C’est vrai qu’il est particulier, ton patio au centre de ta maison… Mais que l’on s’y sent bien, lové parmi les étoiles, protégé par la netteté des contours, perdu dans le dédale des couches, des détails, des strates, ému par ce je-ne-sais-quoi universel et sans concept, qui lui donne toute sa valeur esthétique…

C’est vrai qu’il est particulier, ton patio, mais comme dans toute ton œuvre, que l’on s’y sent bien !

Guillermo van der Borght

   “El patio de mi casa es particular,….” Expo « Àncores a la terra » 2012

(notes a la terra)

L’obra interpreta l’espai com l’indret privilegiat on l’home actua i es relaciona amb el seu entorn.

La traça d’aquesta presència configura un espai on la continuïtat del territori queda truncada per la voluntat d’ocupar-lo, acotar-lo,                              planificar-lo i dominar-lo.

Dicotomia per tant entre un espai públic i col.lectiu, i un espai individual. Ruptura entre l’idea de pertinença a una totalitat i la fragilitat d’un sistema atomitzat, individualista que qüestiona, en el fons, el lloc de la humanitat dins de la natura.

Els retalls de terra, evoquen el buit, la soledat; la segregació i plantegen el lloc on resideix la llibertat. Paisatge construït, tancat, on interioritat i exterioritat mantenen un diàleg mut i sever, contraposant l’espai i el lloc, l’objectivitat i la subjectivitat, el nosaltres i el jo.

En definitiva, una territorialitat fragmentada, dispersa, freda i sòbria a la vegada, potser inclús, generosa acollidora de totes les nostres ambicions i esperances.

La parcel.la com a símbol de la racionalització de la terra, però també com límit, frontera visible del nostre pensament.

Expo Paris 2003 – La sculpture comme acte de vie, pursuit l’idée que l’on peut transformer la puissance en création et puiser dans la fragilité, la sensibilité nécessaire à l’accomplissement d’une construction.” 

 

Mexico 1988 –i les paraules, unes darrere les altres, on ens porten?

Un dia em vaig despertar convençut que existeix una combinació de paraules que ens acosta a l’infinit; potser després de tant escriure encara no l’he trobada. 

Potser aquestes paraules no tenen un sentit aparent i no en percebem el significat, potser no s’escriuen amb els símbols que utilitzo, però no per això deixo d’escriure i buscar. Buscar l’ infinit en el present és buscar un present infinitament més humà ». 

…et les paroles, les unes aprés les autres, vers oú nous ménent-elles?

Un jour, je me suis éveillé avec la conviction qu’il existe une combinaison de mots qui nous rendrait proche de l’infíni. Une combinaison qu’aprés tant avoir écrit, je n’ai pas encore trouvée. Peut-être que ces mots n’ont pas un sens apparent et qu’on ne perçoit pas leur sens : peut-être qu’ils ne s’écrivent pas avec les symboles que j’utilise. Je ne cesserais pas d’écrire et de chercher pour autant.

Chercher l’infini dans le présent, c’est chercher un présent infiniment plus humain.

Manu vb Tintoré, Mexique, 1988

 

El contenidor obert com a referència formal d’aquestes escultures tradueix la característica més genuïnament pròpia de la vida. Un espai permeable on mitjançant l’estructura s’uneixen l’espai intern i extern en un únic espai global en el qual tot el que entra surt i tot el que surt entra, i en aquest anar i venir neix i es desenvolupa l’home. Expo Museu d’art de Girona 2003

 “Camara de aire” escultura  finalista concurso de escultura contemporánia de la Fundación Vila Casas. 2005

 

Una de las marcas de contemporaneidad en la contidianidad reside en establecer con ella un proceso de aceptación extremadamente rapido e intensamente diverso.

La capacidad de asimilación y de adaptación de esta cotidianidad configuran un proceso de inclusión  al que se refiere la obra.

La inclusión se entiende como aceptación de lo ajeno a los limites del individuo, como aceptación de pertenencia a un todo global. En lo concreto por ejemplo, entendemos esta inclusión como la integración de los flujos migratorios o como el estandarte de la multilateralidad. En lo transcendente, la inclusión se refiere al respeto y prevalencia del pasado, de la historia y sus enseñanzas, o como consciencia colectiva de nuevos valores capaces de generar una sociedad plural y diversa.

Pero no nos engañemos, esta asimilación conlleva una saturación permanente del sentir collectivo y por ende una tensión creciente entre los conceptos de individualidad y de colectividad.

Se enfatiza de esta forma sobre la dicotomía (maquiavélica) de la sociedad, a todo más hay un menos, a todo bien hay un mal asociado. Quizas nos desplazamos como nunca y sin embargo nuestra movilidad se reduce. Presenciamos como nunca el encuentro entre complejidad y uniformización.

Resulta de esta situación una compresión cada vez mayor en un espacio cada vez más reducido.

La obra presenta una visión de esta realidad paradójica, inclusión versus compresión,  y nos plantea el interrogante sobre la validez del modelo de independencia de la unidad, la omnipresente individualidad.


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